Møt kunstnerne! Temautstillingen 2026: Revolusjon

Temautstillingen 2026: Revolusjon

Hva betyr revolusjon – og hvilken rolle kan kunsthåndverket spille i å utfordre etablerte tanker, former og sammenhenger?

Dette er utgangspunktet for Temautstillingen 2026: Revolusjon, som arrangeres av Norske Kunsthåndverkere i samarbeid med Kristiansund Kunsthall. Utstillingen er kuratert av kunstner, kritiker og kurator Tommy Olsson og kunstner og grunnlegger av Kristiansund Kunsthall, Karl Edvin Endresen.

– Revolusjonen er ikke avhengig av oss. Som kunstner forsøker man – bevisst eller ubevisst – å etablere modeller for den. Som kurator ser man etter eksempler, og mindre åpenbare sammenhenger. Og man finner dem. Hver gang, sier kuratorene.

Utstillingen undersøker revolusjon gjennom kunsthåndverkets evne til å bevege seg mellom konseptuell utforskning og fordypning i form, materiale og teknikk. De 15 kunstnerne og kunstnerduoene ble valgt ut gjennom en åpen utlysning våren 2026, som mottok hele 240 søknader.

Kunstnerne er: Ada Bae Nilsen, Anne Karine Thorbjørnsen, Brit Dyrnes, Charlène Dannancier, Else Karin Tysse Bysheim, ELTH / Elisabeth Louise Lund og Helene Torp, Heidi Kristiansen, Heidi Øiseth, Ina Otzko, Ingeborg Elieson og Aleksander Jæger, Marte Gunnufsen, Natalie Field, Nayara Leite og Kaeto Sweeney, Siri Skjerve og Sofie Alm Nordsveen.

Les mer om utstillingsåpningen lørdag 29. august her

Ada Bae Nilsen

Jeg er interessert i bronsematerialets lange tradisjon og dets kobling til det opphøyde og monumentale, og hvordan det kan møte tiden vi lever i.

Ada Bae Nilsen (f. 1990, Oslo) er en multidisiplinær kunstner som arbeider med skulptur, installasjon, lyd og performance. I sine skulpturelle arbeider benytter hun seg primært av bronse, stål og aluminium, og kombinerer ofte industrielle materialer med organiske former støpt i bronse. Bronsen behandles med en selvutviklet svovelmikstur eller ulike poleringsteknikker og etterlater et sotet og taktilt uttrykk i svarte, sølv- og gullaktige toner. Ada har blant annet stilt ut ved The Salon Paris under NADA Art Fair, Forever Unlimited Berlin, Hulias, Bunny's Garage, Schutzhaus og Vigeland Mausoleet i Oslo. Hun har tidligere hatt residency ved Hermann Noack Bildgiesserei i Berlin, et av Europas fremste bronsestøperier.

//

Ada Bae Nilsen (b. 1990, Oslo) is a multidisciplinary artist who works with sculpture, installation, sound and performance. In her sculptural works, she primarily uses bronze, steel and aluminum, and often combines industrial materials with organic forms cast in bronze. The bronze is treated with her own self-developed sulfur mixture and various polishing techniques, leaving a sooty and tactile expression in black, silver and golden tones. Ada has exhibited at The Salon Paris during NADA Art Fair, Forever Unlimited Berlin, Hulias, Bunny's Garage, Schutzhaus and Vigeland Mausoleet in Oslo. She has previously had a residency at Hermann Noack Bildgiesserei in Berlin, one of Europe's leading bronze foundries.

WEB / @adabaenilsen

Anne Karine Thorbjørnsen

Det er noe deilig vulgært når resinet fanger de myke foldene i en overflod av væske, dryppende, og så forstenet.

Anne Karine Thorbjørnsen (f. 1982, Akershus) bor og arbeider i Elverum. Hun er utdannet klesdesigner på bachelor- og masternivå ved Central Saint Martins i London, og startet sin praksis etter endt utdanning i 2012. Hun utforsker draperiet og folden, både som teknikk og tematikk, dette er selve kjernen i praksisen hennes. Thorbjørnsen leser draperiet som en tvetydig form og uttrykk; visuelt er det knyttet til avleggs idealer om status, grandeur og overflod. Samtidig ser hun draperiet som et filosofisk bevegelig landskap som fungerer samlende, som en konstant bevegelse som innehar både estetiske og sosiale verdier. Thorbjørnsen har hatt soloutstillinger på Salgshallen, Hamar Kunstforening, Mikey Laundry Art Garden, Format og Oplandia Senter for Samtidskunst. Hun har vist sine kolleksjoner på The Community Paris, Amaze Stockholm, Diorama Oslo og Center For Style Melbourne. Arbeidene hennes er kjøpt inn av Nasjonalmuseet, Buskerud Kunstsenter, DKS Viken og private samlinger.

//

Anne Karine Thorbjørnsen (b. 1982, Akershus) lives and works in Elverum. She holds both a BA and MA in Fashion Design from Central Saint Martins, University of the Arts in London, starting her own creative practice after graduating in 2012. She explores drapery and the fold, both as a technique and theme, which forms the very core of her practice. Thorbjørnsen reads drapery as an ambiguous form and expression; visually it is linked to the ideals of status, grandeur and abundance. At the same time, she sees drapery as a philosophically moving landscape that functions as a unifying force, as a constant movement that holds both aesthetic and social values. Thorbjørnsen has had solo exhibitions at Salgshallen, Hamar Kunstforening, Mikey Laundry Art Garden and at Format and Oplandia Senter for Samtidskunst. She has shown her collections at The Community Paris, Amaze Stockholm, Diorama Oslo and at the Center for Style in Melbourne. Her works have been purchased by Nasjonalmuseet, Buskerud Kunstsenter, DKS Viken, and private collections.

WEB / @annekarinethorbjørnsen

Brit Dyrnes

Det som gir meg faglig energi er alt jeg ikke kan, men som jeg ønsker å utforske, samt alle overraskelser som plutselig dukker opp.

Brit Dyrnes (f. 1955, Trondheim) har jobbet med keramisk disiplin i over femti år, og med kunst i offentlig rom, både som utførende kunstner og kunstkonsulent. Hun bor og arbeider i Trondheim, Surnadal og Tolfa i Italia. For Dyrnes er selve prosessen med leira nært knyttet til fremskaffelsen av materialet; å grave den ut av jorden, for så å omfavne den iboende usikkerheten som finnes i brenningsprosessen. Gjennomgående er Dyrnes en forsker i sitt fagfelt, der utprøving av form og glasurenes egenskaper, samt ulike brenningsteknikker står sentralt. Dyrnes har i en årrekke hatt flere separatutstillinger, og deltatt i en rekke juryerte gruppeutstillinger i inn- og utland. I 2019 mottok Dyrnes Norske Kunsthåndverkeres ærespris. Hun er kjøpt inn av blant annet Innkjøpsfondet for norsk kunsthåndverk, Trondheim Kommune og Trøndelag Fylkeskommune. Dyrnes ble i 2025 juryert inn som medlem av IAC (International Academy of Ceramics), i 2026 deltar hun på utstillinger i Jingdezhen, Kina.

//

Brit Dyrnes (b.1955, Trondheim) has worked in ceramics for over fifty years, and with art in public spaces, both as an artist and art consultant. She lives and works in Trondheim, Surnadal and Tolfa, Italy. For Dyrnes, the process of working with clay is closely linked to the actual acquisition of the material; digging it out of the ground, and embracing the inherent uncertainty that exists in the firing process. Dyrnes is a researcher in her field, where testing form and the properties of glazes and different firing techniques are central to her investigations. Dyrnes has had several solo exhibitions and participated in a number of juried group exhibitions at home and abroad. In 2019, Dyrnes received Norske Kunsthåndverkeres ærespris. Her work has been aquired by, among others, Innkjøpsfondet for norsk kunsthåndverk, Trondheim Municipality and Trøndelag County Municipality. In 2025, Dyrnes was elected as a member of the IAC (International Academy of Ceramics), and in 2026 she participates in exhibitions in Jingdezhen, China.

WEB / @britdyrnes

Charlène Dannancier

I mitt arbeide møtes skulptur og lyd i kroppen. Den ene definerer sine grenser, den andre får disse grensene til å vibrere.

Charlène Dannancier (f. Frankrike) er en kunstner og komponist som i sin praksis arbeider med lyd, performance, installasjon, film og samtidsopera. Med en kroppsliggjort tilnærming til lyd befinner verkene hennes seg i de ladede sonene der intimitet møter ubehag og kontroll, der sårbarhet fungerer som en etisk akse og kritisk linse. Hun skaper miljøer der kroppen blir både instrument og sted for spenning, og utforsker presset som former samtykke, makt og forhandling av grenser. Dannancier var nominert til Sybren Hellinga Keunstpriis 2025, og hennes nylige presentasjoner inkluderer FIBER Festival (Amsterdam), Rozenstraat - A rose is a rose is a rose (Amsterdam), Kunsthuis SYB (Beetsterzwaag), U122AE (Paris), De Thomaskerk (Amsterdam) Rev. Rewire Festival (Den Haag), Petrohradská Kolektiv, Jedna Dva Tři Gallery (Praha), Het Hem (Zaandam), OHM (Berlin), De School (Amsterdam) og flere.

//

Charlène Dannancier (b. France) is an artist and composer who engages with sound, performance, installation, film and contemporary opera in her practice. Engaging in an embodied approach to sound, her work inhabits the charged zones where intimacy meets discomfort and control, using vulnerability as an ethical axis and critical lens. She creates environments in which the body becomes both instrument and site of tension, probing the pressures that shape consent, power, and the negotiation of limits. Dannancier was nominee for the Sybren Hellinga Keunstpriis 2025 and her recent presentations include FIBER Festival (Amsterdam), Rozenstraat - A rose is a rose is a rose (Amsterdam), Kunsthuis SYB (Beetsterzwaag), U122AE (Paris), De Thomaskerk (Amsterdam), Rewire Festival (Den Haag), Petrohradská Kolektiv, Jedna Dva Tři Gallery (Prague), Het Hem (Zaandam), OHM (Berlin), De School (Amsterdam) and much more.

WEB / @unndeserved

Else Karin Tysse Bysheim

Eg kjenner på spenninga i rommet mens eg arbeider med dette uforutsigbare materialet, tåler dei dette, tåler dei meir, tåler eg meir, kor langt kan strikken strekkjast?

Else Karin Tysse Bysheim (f. 1959, Bergen) bur og arbeider på Osterøy. I sitt kunstnarskap utforskar ho materialet som utgangspunkt for både tanke og form. «Å jobba med eit materiale er min måte å vera i verda på», seier ho sjølv. Gjennom åra har Tysse Bysheim arbeidd med ulike materialar, mellom anna gummi, ull, papir og metall. Kunstpraksisen hennar er tett knytt til omgjevnadene på Osterøy, der ho tek i bruk både naturmateriale frå nærområdet og industrielle materiale frå lokale verksemder. Materiala kan vere sanka hos bonden, funne i skogen eller henta frå ei lokal bedrift som sel gummislangar. I møtet med desse materiala oppstår uttrykk som ber spor av erfaringar, relasjonar og levd liv.Tysse Bysheim har hatt fleire separatutstillingar og delteke på fleire juryerte gruppeutstillingar. Ho er representert i samlinga til Sørlandets Kunstmuseum.

//

Else Karin Tysse Bysheim (b. 1959, Bergen) lives and works on Osterøy. She explores material as a starting point for both thought and form. “Working with a material is my way of being in the world,” she says. Over the years, Tysse Bysheim has worked with a range of different materials, including rubber, wool, paper and metal. Her artistic practice is closely linked to her surroundings on Osterøy, and she uses both natural materials from the surrounding area and industrial materials sourced from local businesses. The materials are sometimes collected from local farmers, found in forests or obtained from a local company selling rubber hoses. Through her encounter with these materials, expressions arise that bear traces of experiences, relationships and lives lived. Tysse Bysheim has had several solo exhibitions and participated in several juried group exhibitions. She is represented in the permanent collection at Sørlandets Kunstmuseum.

WEB / @elsekarinkunst

ELTH / Elisabeth Louise Lund og Helene Torp

Hva skjer når rytme brytes, form nekter å holde, og språk, kontroll og mening begynner å glippe?

ELTH er en performancegruppe som arbeider med ritualer, møter og relasjoner. Deres praksis undersøker hvordan enkle handlinger, rom, lyd og materialer kan skape bevissthet og en opplevelse av fellesskap. Torps installasjons- og performancepraksis kombineres med Lunds lydbaserte og performative arbeid. Sammen utvikler de verk der kropp, handling og lyd aktiverer rommet og skaper kunst i sanntid. Begge kunstnerne deltar aktivt i det performative ritualet, og synliggjør hvordan kunst oppstår gjennom handling og tilstedeværelse.

Helene Torp (f. 1972)er billed- og performancekunstner. Hun arbeider tverrfaglig med installasjon, video, lyd, eksperimentell animasjon og performative uttrykk, med fokus på relasjonen mellom mennesker, planter og naturens energi. Hennes praksis er forankret i seremonielle og rituelle prosesser, hvor stemmen er et sentralt kunstnerisk verktøy. Torp har hatt separatutstillinger i Norge og internasjonalt siden 1999 og deltatt på Statens Høstutstilling ved flere anledninger.

Elisabeth Louise Lund (f. 1976)er tverrfaglig kunstner med bakgrunn i billedkunst, klesdesign og kunstterapi. Hun arbeider i skjæringspunktet mellom performance, lyd, kropp og indre prosesser, ofte med integrasjon av Taiji og meditasjon. Lund utforsker eksistensielle temaer gjennom sanselige og kroppslige uttrykk, ofte i performative rom og lydreiser. Hun har arbeidet både individuelt og i samarbeid, fra galleriutstillinger til workshops og kollektive prosesser.

//

ELTH is a performance group thatworks with rituals, social encounters and relationships. Their practice explores how simple actions, space, sound and materials can create awareness and a sense of community. Helene Torp's installation and performance practice is combined with Elisabeth Lund's sound-based and performative work. Together they develop works where body, action and sound activate space and create art in real time. Both artists actively participate in the performative ritual, making visible how art arises through action and presence.

Helene Torp (b. 1972) is a visual and performance artist. Her work is interdisciplinary and includes installation, video, sound, experimental animation and performative expressions, focusing on the relationship between people, plants and the energy of nature. Her practice is rooted in ceremonial and ritual processes, where voice is a central artistic tool. Torp has had solo exhibitions in Norway and internationally since 1999 and has participated in Høstutstilling on several occasions.

Elisabeth Louise Lund (b. 1976) is an interdisciplinary artist with a background in visual art, fashion design and art therapy. She works at the intersection of performance, sound, body and inner processes, often integrating Tai Chi and meditation. Lund explores existential themes through sensual and bodily expressions, often in performative spaces and sound journeys. She has worked both individually and collaboratively, in gallery exhibitions, workshops and in collective processes.

WEB / @ellalundart & @helenetorpart

Heidi Kristiansen

Vår tids revolusjon; å frigjøre sjelen fra en kultur som måler verdi i produktivitet. Gi sjelen rom for lek og frihet.

Heidi Kristiansen (f.1982, Larvik)er glasskunstner med base i Lofoten. Som kunstner er hun opptatt av å skape et formspråk som er lekent, livlig og fargerikt. Gjennom sine arbeider ønsker hun å fange en energi som vekker både nysgjerrighet og glede hos betrakteren. Samtidig har hun en sterk fascinasjon for tradisjonsteknikker innen glassblåserfaget, og utforsker hvordan disse kan fornyes og gis nytt liv i en moderne kontekst. Kristiansen er utdannet ved Glasskolan i Kosta og The Royal Danish Academy of Fine Arts, og har stilt ut i en rekke juryerte og kuraterte utstillinger i Norge og internasjonalt. Hennes arbeider er representert i museumssamlinger i Norge og i utlandet.

//

Heidi Kristiansen (b.1982, Larvik) is a glass artist based in Lofoten. She is committed to using form to create a language that is playful, lively and colorful. Through her works, she is keen to capture an energy that awakens both curiosity and joy in the viewer. At the same time, she has a strong fascination for traditional glassblowing techniques and explores how these can be renewed and given a new life in a modern context. Kristiansen trained at Glasskolan in Kosta and at The Royal Danish Academy of Fine Arts, she has been exhibited in a number of curated and juried exhibitions in Norway and internationally. Her work is represented in museum collections both in Norway and abroad.

WEB / @heidikristiansenglass

Heidi Øiseth

Det virkelige mørke, er speilene som forvrenger all virkelighet.

Heidi Øiseth (f. 1961)er billedkunstner og tekstilkunstner, som i mange år har utforsket installasjonens romlige og fysiske egenskaper, der personlige gamle tekstiler brukes som utgangspunkt for arbeidet. Øiseth har hatt separatutstillinger ved blant annet; Agder Kunstsenter, Kunstnerforbundet i Oslo/ Overlyssalen. Moss Kunstforening, Kasematt i Oslo, Kinokino Kunstsal i Sandnes, Larvik Kunstforening og Tegnerforbundet. De siste årene har hun deltatt i gruppeutstillinger i regi av Snø galleri i Oslo, Lens Gallery i Beijing og Shanghai, samt kunstmesser i Beijing og Shanghai.

//

Heidi Øiseth (b. 1961) is a visual and textile artist who for many years has been exploring the spatial and physical properties of installations, where personal old textiles are used as a starting point for the work.

Øiseth has had solo exhibitions at, among others; Agder Kunstsenter, Kunstnerforbundet in Oslo/Overlyssalen, Moss Kunstforening, Kasematt in Oslo, Kinokino Kunstsal in Sandnes, Larvik Kunstforening and Tegnerforbundet. In recent years she has participated in group exhibitions under the auspices of Snø galleri in Oslo, Lens Gallery in Beijing and Shanghai. She has also exhibited at Art Fairs in Beijing and Shanghai.

WEB / @heidi_oiseth

Ina Otzko

Det røde neonlyset pulserer mellom begjær og fare, livskraft og advarsel. Sirkelens endeløse form peker mot hvordan tro, ideologier og maktstrukturer gjentar og fornyer seg, mens tittelen FALLING FOR RELIGION åpner spennet mellom hengivelse og sammenbrudd – og spør hva som skjer når overbevisning blir makt.

Ina Otzko (f. 1972, Norge) er en billedkunstner som arbeider med performance, video og film, fotografi, lyd, skulptur, installasjon, neon og tekst. Praksisen hennes beveger seg mellom intime erfaringer og større økologiske, sosiale og geopolitiske strukturer, og undersøker spørsmål om tid, tillit, tilhørighet, tro, sårbarhet, minner, makt og sameksistens. Gjennom langsiktige og stedssensitive prosesser skaper hun verk og rom som utforsker relasjoner mellom mennesker, landskap, materialer og teknologi, og hvordan tid former både individuell persepsjon og kollektive erfaringer. Otzko har en MA i Image & Communication og en MFA i Fine Art fra Goldsmiths, University of London, samt en MA i Sound Studies fra Universität der Künste Berlin.

//
Ina Otzko (b. 1972, Norway) is a visual artist working across performance, video and film, photography, sound, sculpture, installation, neon, and text. Her practice moves between intimate experience and larger ecological, social, and geopolitical structures, addressing questions of time, trust, belonging, belief, vulnerability, memory, power, and coexistence. Through long-term, site-responsive processes, she creates works and spaces that explore relationships between people, landscapes, materials, and technology, and how time shapes both individual perception and collective experience. Otzko holds an MA in Image & Communication and an MFA in Fine Art from Goldsmiths, University of London, and an MA in Sound Studies from Universität der Künste Berlin.

WEB / @inaotzko

Ingeborg Elieson og Aleksander Jæger

Jeg liker å teste grensene til motstandsdyktige materialer ved å forme dem tynne og skjøre – helt til punktet like før de brister.

– Ingeborg Elieson

Som i en dans, blir det en øvelse i å gjenkjenne når materialet trekker i en retning jeg ikke har forutsett. Hvis jeg klarer å oppfatte materialets vilje, kan jeg tilpasse meg og dansen kan fortsette. Hvis jeg presser gummien eller maskinen for hardt, vil de motsette seg, slik et barn føles som dødvekt i handa når det slipper seg ned mot bakken og stritter imot din vilje.

– Aleksander Jæger

Ingeborg Elieson (f. 1983, Fredrikstad) jobber med skulpturelle objekter der hun undersøker hvordan form fungerer i relasjonelle sammenhenger. Elisesons interesse ligger i møtene mellom formutrykkene, men også i nærheten mellom materialene, som ligger inntil-, følger etter, eller går over i hverandre. Arbeidene viser seg ofte i dekonstruerte kroppslige utrykk som kollektivt inngår i en tilstand eller samtale. Dialogen åpner for ulike perspektiver på våre individuelle og delte rom og synliggjør hvordan materialenes handlingsrom kan veves inn i større sosiale og politiske sammenhenger. Elieson har deltatt i en rekke juryerte gruppeutstillinger og har hatt separatutstillinger på RAM galleri, Format Oslo, KRAFT og Kunstnerforbundet. Hennes arbeider er kjøpt inn av Innkjøpsfondet for norsk kunsthåndverk til bl.a. KODE og Nasjonalmuseet.

//

Ingeborg Elieson (b. 1983, Fredrikstad) works with sculptural objects, investigating how form functions in relational contexts. Elieson's interest lies in the encounters between the expressions of form, but also in the proximity between the materials, which lie adjacent to, following or merging into one another. The works often appear in deconstructed bodily expressions that collectively form part of a state of being or a conversation. The dialogue invites different perspectives on our individual and shared spaces and makes visible how the material can be woven into larger social and political contexts. Elieson has participated in a number of juried group exhibitions and has had solo exhibitions at RAM gallery, Format Oslo, KRAFT and Kunstnerforbundet. Her works have been purchased by Innkjøpsfondet for norsk kunsthåndverk, KODE and Nasjonalmuseet.

WEB / @ingeborgeliesonsculpture

Aleksander Jæger (f.1985, Fredrikstad) uttrykker seg gjennom materialene. Ved å bearbeide materialer som gummi, tre, silikon og metall formidler kunstneren egne tanker og gir dem form. Gjennomgående i Jægers kunstnerskap er kroppen som omdreiningspunkt og målestokk. I arbeidene utforsker han eksistensielle spørsmål med fokus på menneskelige grunnerfaringer.Utforskning i materialet gummi står sentralt i Jægers prosjekt, der han i samarbeid med gummi-industrien utforsker metoder for formdannelse i gummi. Ved å gripe inn i ulike industrielle operasjoner, bearbeider Jæger gummien og skaper skulpturelle former gjennom dialog med materialet. Arbeidene blir på den måten et uttrykk for hendene, bevegelsen og kreftene i kroppen hans. Jæger bor og arbeider i Fredrikstad. Han ble uteksaminert i 2018 med en Master i medium og materialbasert kunst fra Kunsthøgskolen i Oslo. Arbeidene hans har blitt vist ved bla. Oslo Bussterminal, Billedhuggerforeningen, Telemark kunstsenter, Østfold kunstsenter, RAM galleri og flere Årsutstillinger.

//

Aleksander Jæger (b. 1985, Fredrikstad) expresses himself through his chosen materials of rubber, wood, silicone and metal, conveying his thoughts and giving them form. Throughout Jæger's artistry, the body acts as both a pivot and a yardstick. In his works, he explores existential questions with a focus on basic human experiences. Exploring rubber as a material is central to Jæger’s project, in which he collaborates with the rubber industry to explore methods of shaping rubber. By intervening in various industrial processes, Jæger manipulates the rubber and creates sculptural forms through a dialogue with the material. In this way, the works become an expression of his hands, his movement, and the forces within his body. Jæger lives and works in Fredrikstad. He graduated in 2018 with an MA in Medium and Material-Based Art from the Oslo National Academy of the Arts. His works have been shown at, Oslo Bussterminal, Billedhuggerforeningen, Telemark kunstsenter, Østfold kunstsenter, RAM Gallery and several Årsutstillinger.

WEB / @aleksanderjeger

Marte Gunnufsen

Ved siden av dødsromantikken er likhetene mellom Black Metal og
barokken påfallende.

Marte Gunnufsen (f. 1980) er utdannet klassisk pianist, pianostemmer og billedkunstner fra Griegakademiet, Norges musikkhøgskole og Kunstakademiet i Bergen. I sitt kunstnerskap arbeider Gunnufsen med film, lyd, performance og installasjon, ofte med utgangspunkt i musikk, subkulturer og alternative livsformer. Hun har deltatt på solo- og gruppeutstillinger i Norge, Storbritannia, Finland, Sverige, Polen, Nederland og USA, blant annet ved Zachęta – National Gallery of Art, Warszawa, AC Institute, DePaul Art Museum, KODE, Kunstnernes Hus, Fotogalleriet, NoPlace, Sørlandets Kunstmuseum, Bomuldsfabrikken Kunsthall og Supermarket Art Fair.

//

Marte Gunnufsen (b. 1980) is a classical pianist, piano tuner and visual artist with training from the Griegakademiet, the Norwegian Academy of Music and the Art Academy - Department of Contemporary Art (KMD). Gunnufsen works with film, sound, performance and installation, often based on music, subcultures and alternative lifestyles. She has participated in solo and group exhibitions in Norway, the UK, Finland, Sweden, Poland, the Netherlands and the USA, including at Zachęta – National Gallery of Art, Warsaw, AC Institute, DePaul Art Museum, KODE, Kunstnernes Hus, Fotogalleriet, NoPlace, Sørlandets Kunstmuseum, Bomuldsfabrikken Kunsthall and Supermarket Art Fair.

WEB / @martegunnufsen

Natalie Field

Voldshandlinger etterfølges av omsorg når bein artikuleres og kropper rekonstrueres.

Natalie Field (f. 1982, Sør-Afrika) er en tverrfaglig kunstner som skaper skulpturer, installasjoner og ritualer ved bruk av skinn, bein, fjær og andre organiske materialer. Hennes animalARTefacts undersøker kulturelle, økologiske og flerartsrelasjoner formet av tap av biologisk mangfold og utryddelse. Fields har en særlig interesse for død, ritualer og sorg. Gjennom taktile prosesser som innsamling, bearbeiding, bevaring og presentasjon utforsker hun hvordan dyrekropper kan bli steder for minne, transformasjon og omsorg. Fields arbeider har blitt vist ved Berman Contemporary i Johannesburg, Medisinsk museum ved St. Olavs hospital, Ringve Musikkmuseum i Trondheim og National Museum of Wildlife Art i Wyoming. Hun er Creature Conserve Fellow og mottaker av masterstipend fra Museene i Sør-Trøndelag (MiST). Fields har en MFA fra Kunstakademiet i Trondheim og en B.Tech i fotografi fra Nelson Mandela University i Sør-Afrika.

//

Natalie Field (b. 1982, South Africa) is an interdisciplinary artist who creates sculptures, installations and rituals using skin, bone, feathers and other organic materials. Her animalARTefacts explores cultural, ecological and multi-species relationships shaped by biodiversity loss and extinction, with a particular interest in death, ritual and grief. Through tactile processes such as collection, processing, preservation and presentation, she explores how animal bodies can become sites of memory, transformation and care. Field’s work has been exhibited at Berman Contemporary in Johannesburg, the Medical Museum at St. Olav’s Hospital, Ringve Musikkmuseum in Trondheim and the National Museum of Wildlife Art in Wyoming. She is a Creature Conserve Fellow and the recipient of a Master’s scholarship from the Museums of Sør-Trøndelag (MiST). Fields holds an MFA from the Trondheim Academy of Fine Arts and a B.Tech in Photography from Nelson Mandela University in South Africa.

WEB / @nataliefield.art

Nayara Leite og Kaeto Sweeney

Våre individuelle praksiser forenes i en felles interesse for ytringsfrihet som en menneskerettighet, og for spenningene innenfor dette konseptet – spesielt hvordan det kan mobiliseres for å beskytte de som bruker hatefulle ytringer.

Nayara Leite og Kaeto Sweeney dannet i 2023 kunstnerduoen Nayara Leite og Kaeto Sweeney, som jobber sammen på tvers av film, lydkunst og tekstbaserte installasjoner. Arbeidene deres har blitt stilt ut på NITJA, Lydgalleriet og Kunstnerforbundet.

Nayara Leite (f. 1989, hun/henne) er en brasiliansk kunstner og forfatter med base i Bergen. Leite arbeider i skjæringspunktet mellom tekst, performance, film, fotografi og installasjon. Gjennom personlige fortellinger, politisk diskurs og arkivmateriale er hennes praksis sentrert rundt å skildre den levde virkeligheten til LGBTQ+-samfunnet i Brasil, Norge og internasjonalt. Nayara henter inspirasjon fra frigjøringsbevegelser og aktivisme, og responderer på tiden vi lever i. Leite har stilt ut og holdt performancer på Bergen Kunsthall, Palmera, Lydgalleriet, BEK og KODE. I tillegg til Preus Museum, Studio 17, BABEL, Høstutstillingen og Momentum Biennale. Hun har en mastergrad fra fakultetet for kunst, musikk og design, KMD Bergen og en mastergrad i fotojournalistikk og dokumentarfotografi fra London College of Communication.

Kaeto Sweeney (f. 1993, han/han) er en kunstner basert i Bergen. Sweeney er performer, filmskaper og festskaper, spesielt interessert i firhetssymboler fra et skeivt perspektiv. Arbeidene hans har blitt stilt ut på Bergen Kunststall, Hordaland Kunstsenter og Høstutstillingen. Sweeney har presentert arbeider i samarbeid med Oslo Internasjonale Teaterfestival, Black Box Teater og OCA – Office for Contemporary Art Norway, og har samarbeidet med BIT. Han har en mastergrad i kunst fra Bergen Kunstakademi og en bachelorgrad i kunst fra l'Ecole Nationale d'Arts Paris-Cergy. Kaeto er grunnlegger og kunstnerisk leder for den tverrfaglige plattformen for skeive kunstnere ASTERISK.

//

Nayara Leite & Kaeto Sweeney formed their artist duo Nayara Leite & Kaeto Sweeney in 2023, working together across film, sound art, and text-based installations. Their work has been exhibited at NITJA, Lydgalleriet and Kunstnerforbundet.

Nayara Leite (b. 1989, she/her) is a Brazilian artist and writer based in Bergen. She works at the intersection of text, performance, film, photography and installation. Through personal narratives, political discourse, and archival material, her practice is centered on portraying the lived realities of the LGBTQ+ community in Brazil, Norway, and beyond. Nayara draws inspiration from liberation movements and activism, responding to the times we live in. Leite has exhibited and held performances at Bergen Kunsthall, Palmera, Lydgalleriet, BEK and KODE. As well as Preus Museum, Studio 17, BABEL, Høstutstillingen and Momentum Biennale. She holds an MFA from the Bergen Art Academy and an MA in Photojournalism & Documentary Photography from the London College of Communication.

Kaeto Sweeney (b. 1993, he/him) is an artist based in Bergen. He is a performer, film maker and party maker particularly interested in symbols of freedom from a queer lens. His work has been exhibited at Bergen Kunstall, Hordaland Kunstsenter and Høstutstillingen. Sweeney has presented work with Oslo Internasjonale Teaterfestival, Black Box Teater and OCA – Office for Contemporary Art Norway, and has collaborations with BIT. He holds an MFA from the Bergen Art Academy and a BFA from l'Ecole Nationale d'Arts Paris-Cergy. Kaeto is the founder and artistic director of the interdisciplinary platform for queer artists ASTERISK.

WEB / @_nayara_leite

WEB / @kaetokato

Siri Skjerve

Huden pakker inn kroppen, skiller kjøtt fra luft og vilje fra verden.

Siri Skjerve (f.1979 i Oslo) har i flere år utforsket hud og naturgarvet skinn som kunstnerisk materiale. Hun bor og jobber i Todalen, og driver en praksis som i hovedsak baserer seg på skinn fra lokal jakt. Selv om håndverket er like gammelt som menneskeheten, er skinn som konseptuelt materiale et lite utviklet språk, kulturhistorisk og i kunsthåndverkfeltet. Skjerves kunstnerskap viser materialet som bærer av et allmennmenneskelig språk, med potensiale til å speile mennesker fra alle kulturer og til alle tider. Skjerve har hatt flere separatutstillinger, og deltatt i en rekke juryerte gruppeutstillinger. Hun ble i 2025 tildelt statens 10-årige kunstnerstipend for etablerte kunstnere, og hennes arbeider er kjøpt inn av KUBE og Innkjøpsfondet for norsk kunsthåndverk til KODE.

//

Siri Skjerve (b.1979 in Oslo) has been exploring skin and naturally tanned leather as artistic materials for many years. She lives and works in Todalen and runs a practice that is mainly based on using skins from local hunting. Although the craft is as old as humanity, leather as a conceptual material is an underdeveloped language, culturally, historically and in the field of crafts. Skjerve's artistry displays the material as the bearer of a universal human language, with the potential to reflect people from all cultures and through all time. Skjerve has had several solo exhibitions and participated in a number of juried group shows. In 2025, she was awarded the Norwegian State's 10-year Artist Bursary for established artists. Her works have been purchased by KUBE and Innkjøpsfondet for norsk kunsthåndverk to KODE.

WEB / @siri.skjerve

Sofie Alm Nordsveen

I verket har jeg brukt vold og omsorg som metoder gjennom å påta meg rollene som overgriper og offer i relasjon til materialene.

Sofie Alm Nordsveen (hun/henne, f.1997, Oslo) er en tekstil- og tekstbasert kunstner. Hun bruker tekstile metoder til å arbeide med materialer som silke, lateks, keramikk og metall. Gjennom relasjonelle praksiser samler hun på kroppslige materialer som hår og sår fra mennesker som står henne nær. Hun er opptatt av det monstrøst feminine og balanserer det romantiske og poetiske, med det groteske og makabre. Arbeidene hennes har referanser til det selvbiografiske, skeive og feministiske, alltid med tanken om at det personlige er politisk. Alm Nordsveen har en MFA i Craft fra HDK-Valand i Gøteborg og en BFA i Materialbasert kunst fra Kunsthøyskolen i Oslo. De siste årene har hun deltatt på utstillinger i Oslo, Gøteborg, Stockholm og London. Hun var medredaktør og skribent for The Vessel 9: Make me see og er en del av kunstnergruppen DRIFT (kollektiv innom kontemporär textilkonst).

//

Sofie Alm Nordsveen (she/her, b.1997, Oslo) is a textile and text-based artist. She uses textile methods to work with materials such as silk, latex, ceramics and metal. Through relational practices she collects bodily materials such as hair and wounds from people who are close to her. She is interested in the monstrous-feminine and balances the romantic and poetic with the grotesque and macabre. Her works have references to the autobiographical, queer and feminist, always with the idea that the personal is political. Alm Nordsveen has an MFA in Craft from HDK-Valand in Gothenburg and a BFA in Material-Based Art from the Oslo Academy of the Arts. In recent years she has participated in exhibitions in Oslo, Gothenburg, Stockholm and London. She was co-editor and writer for The Vessel 9: Make me see and is part of the artist group DRIFT (collective in contemporary textile art).

WEB / @kjottpastill

Om kuratorene

Tommy Olsson (f. 1963). Billedkunstner, kurator, forfatter og skribent. Olsson er fast kunstkritiker i Klassekampen med utstillinger og prosjekter i inn- og utland siden 1981. Olssons siste utgivelse er «Til stede» (Kolon 2020).

//

Tommy Olsson (b. 1963). Artist, curator, author and writer. Olsson an art critic for Klassekampen and have had several exhibitions and projects in Norway and abroad since 1981. Olssons latest publication is "Til stede” (Kolon, 2020).

Karl Edvin Endresen (f. 1980). Billedkunstner, grunnlegger og driver av Kristiansund Kunsthall. Endresen har en forkjærlighet for alt fra svart metall og hvit støy, til eksperimentell elektronisk musikk og rave, fra mer tradisjonsbasert kunsthåndverk til sylstram konseptualisme og ikke-voldelig aktivisme.

//

Karl Edvin Endresen (b. 1980). Artist, founder and director of Kristiansund Kunsthall. Endresen has a fondness for everything from black metal and white noise to experimental electronic music and rave, as well as more traditional crafts to strict conceptualism and non-violent activism.

Kristiansund Kunsthall

Kristiansund Kunsthall er et visningssted for samtidskunst i sentrum av Kristiansund. Kunsthallen åpnet den første utstillingen i september 2021 og har jevnlig utstillinger, konserter, workshops, seminarer og samlinger.

WEB / @kristiansund_kunsthall

Temautstillingen

Temautstillingen 2026 er organisert av Norske Kunsthåndverkere i samarbeid med Kristiansund Kunsthall. Temautstillingen er en årlig utstilling som skal utforske kunsthåndverkets særegne potensial og utfordre etablerte normer innen formidling av kunsthåndverk.